唐家山堰塞湖(原创)   2008年7月林山摄

林山素描(九)原创     春

小天鹅(原创)    林山摄影

李伯安   (1944--1988)

         李伯安，河南洛阳人。二十世纪末一位漠视功名,不求闻达,默默耕耘于国画人物之苑的艺术赤子。他广采博纳，融汇中西，大大地丰富了国画人物艺术语言的表现力。他痴情于北方老农，画风老辣而雄放。他历时十载创作的人物长卷<<走出巴颜喀拉>>，以其高昂的立意，恢宏的气象,精湛的刻画和独具个性的艺术语言，把二十世纪中国的长卷水墨人物创作推上了一个新的高峰。1998年5月2日，画家倒在了正在创作中的人物长卷之前，他把自己完完全全地融进了"巴颜喀拉"那一派漫天皆白寥廓无垠的圣境。

         <<走出巴颜喀拉>>是一件巨幅长卷，高二米,长一二一点五米。分为:圣山之灵,开光大典,朝圣,哈达,玛尼堆,劳作,歇息,藏戏,赛马,天路,共十个部分，刻画了二六六个人物的活动，可视为一篇藏民族生活的史诗。画面以黄河为背景，展示了雪域文明特有的凝重,雄浑,淳厚和深遂。他在运用写实手法的同时又强调了表现因素，扩大了黑白对比的力度，强调造型的雕塑感，把东方精神和西方语汇融成一体，大大拓展了水墨的表现力，创造了二十世纪水墨人物画的发展高度。无论是精神含量还是技术因素都值得后人认真总结。这幅画展示给读者的远远不只是技巧，而是一种理想和精神，一种震撼人心灵的美好品质。从这个意义讲，<<走出巴颜喀拉>>是一件具有里程碑价值的作品。

走出巴颜喀拉_____李伯安  (1944--1998)

引用

书非书 的 大开眼界——从莫奈到毕加索

2006年6月的北京，一个个展览令人目不暇接，一个个中外艺术大师和希世珍宝的名字如雷灌耳，尽管小孩正在京紧张地迎接高考，我还是难以抑制与之亲密接触的欲望，每天往返于各展览场馆之间。

高考之日的前四五天，我于国家博物馆首都博物馆观《文化遗产日特别展览》，于世纪坛世界美术馆观《从莫奈到毕加索——美国克里夫兰艺术博物馆精品展》，于首都博物馆观《世界文明珍宝——大英博物馆之250年藏品展》、以及《古代绘画艺术精品展》、《古代书法艺术精品展》、《燕地青铜艺术精品展》、《古代玉器艺术精品展》、《书房珍玩精品展》，《古代陶瓷艺术精品展》和《古代佛像艺术精品展》。此行我如“陈焕生进城”，大开眼界、大饱眼福！

    “从莫奈到毕加索——美国克里夫兰艺术博物馆精品展” 展出的60件大师杰作来自美国十大博物馆之一的美国克里夫兰艺术博物馆的印象派和现代艺术永久陈列展厅，均为“镇馆之宝”。展览内容涵盖了印象派、后印象派、野兽派、立体派等西方现代主要艺术流派，包括有库尔贝、德加、方丹拉图尔、莫奈、毕沙罗、马奈、雷诺阿、塞尚、高更、凡?高、雷东、勃纳尔、维纳尔、马蒂斯、布拉克、蒙得里安、莫迪里阿尼、毕加索、马格利特、恩斯特等大师的代表作。另外，雕塑艺术大师罗丹、德加和摩尔等艺术家的14件雕塑作品也同时参加展览。这批展品的艺术价值极高，是中国引入国外展览中史无前例的。该展的全额保险由美国联邦政府承担，由美国政府担保的出境展览在美国的历史上也是罕见的。

 

                      

 梵．高                          雷诺阿                        塞尚

                      

        莫奈                            毕加索                         高更 

       展品精选（引用）

文森特?梵?高(荷兰, 1853-1890年)
     《梧桐树群》
      1889年
      画布油画，73.40 x 91.80厘米

　　文森特?梵?高是这样一位艺术家，人们可以凭借他将艺术史一分为二。就像人们感叹“在梵?高之前，丝柏仅仅是丝柏”一样，在梵?高之后，“艺术家”这一概念也被彻底改变。焦虑、疯狂、执著、宗教般虔诚、一辈子的受难、对生活的渴望，梵?高的问题成为其后所有艺术家必须面对的问题，我们今天也不外。
　关于这幅《梧桐树群》，梵?高在1889年12月的信中这样写道：“我最近的一次写生是关于村庄的风景。在那里，修路工人和村民每天都在巨大的梧桐树下辛苦地工作着。”他试图用画笔捕捉发黄的叶子，并以强烈的色彩和颤动的笔法，给景色注入了紧张的活力。油画上部，树冠组成了一个黄色的华盖，投下一片明亮的影子——梵?高一直将这种黄色和永恒联系在一起。我们不知道画面中哪些偶然经过的小人姓氏名谁，也不知道巨大的梧桐树后隐藏着什么秘密。但我们知道，对这一切探究的兴趣或许都源于梵?高，是艺术家在每一块颜料和每一笔线条中赋予了恒久的精神性。

 

文森特?梵?高(荷兰, 1853-1890年)
      《圣雷米的白杨》
       1889年
        画布油画，61.60 x 45.70厘米

　　这幅《圣雷米的白杨》与前面那幅《梧桐树群》一样，都是画家的晚期作品。梵?高仅仅活了37岁，绘画生涯仅仅10年，却创作出了800多幅油画和为数更多的素描作品。在1888年与高更发生激烈冲突而诱发了精神病后，第二年4月，梵?高住进了圣雷米的圣保罗精神病院接受治疗。由于他的病情是间歇性的，医生很快就同意了他可以在别人的陪同下、到医院外面散步。这幅气势宏大的风景画作于同年10月，在给弟弟的信中，他写道：“我作了一幅写生画，是两棵倚山而立的白杨树。”
　　这两棵高大的白杨树倾斜而缠绕，像梵?高笔下的丝柏一样，产生了一种向上旋转的动感。此外，我们还可以看到梵?高以深浅不同的蓝色短粗笔道表现的天空，这是梵?高的标志性画法。

 

 

保罗?塞尚(法国, 1839-1906年)

《小溪》

1895-1900年

画布油画，59.20 x 81.00厘米 

 被誉为“现代艺术之父”的塞尚，不但给予立体主义大师毕加索以直接影响，还是现代艺术形式构成一派的开山鼻祖。塞尚的经历同样证明了不理会旁人的讥笑与冷落，持之以恒地坚持自我探索的重要性。

 塞尚的理想是，在印象派中，注入博物馆般坚实而恒久的品质。现在我们看到的是他最典型的风格，就是像抹水泥一样将颜料涂在画布上，这是他深思熟虑，并且每隔一段时间就重新修改润色的结果。同时，也形成了他注重质感与形式感的独特风格。但在创作生涯的后期，这种厚涂的颜料开始变薄，到了晚期，则接近透明的水彩风格。《小溪》恰好是这一透明风格的代表，画中的景物让人想起受塞尚推崇的毕沙罗曾描绘过的矮树丛。画面中，聚集到中心的树枝组成了一个松散但又立体的三角形，树叶、丛林和流水在轻墨淡彩中相映成趣。小溪蜿蜒流向远方，映衬出层叠的水面。

 

  

  奥古斯特?罗丹(法国, 1840-1917年)
       《女人肖像》

  约1917-1918年

   画布油画，65.00 x 48.30 厘米

  莫迪利阿尼堪称20世纪意大利最杰出的艺术家，但却是一个典型的波希米亚人。他先天身体虚弱，却整日沉溺于女人、酒精和毒品，致使健康状况更加恶化，在35岁那一年就因病去世。但据说，在艺术家头脑清醒的时候，无论是穿戴还是举止，都显得极为得体。

　　其实，莫迪利阿尼只是以狂放不羁的外表来掩饰其内心宿命的脆弱，他的作品也同样具有神经质般的优雅，以及对女性特质的夸张。这幅不知名女人的画像就体现了他对于颜色、有穿透力的线条以及与中世纪圣像画极为接近的拉长形式感的细腻把握。这幅画是莫迪利阿尼在其去世的前两年创作的，那时即使他光顾咖啡馆时，也经常带着一本写生簿。

　　在莫迪利阿尼去世后不久，1922年巴黎举办了画家的回顾展，而关于他的传奇性传记也于1926年问世。直到这时，莫迪利阿尼才开始声名鹊起，人们评价他是“堪比梵?高的悲剧性天才”。

 

         奥古斯特?罗丹(法国, 1840-1917年)
       《皮埃尔?德?韦桑特的英雄头像，加莱义民之一》
        1886年
        青铜雕塑

      罗丹被誉为“米开朗基罗之后最伟大的雕塑家”，这意味着它们之间的三个世纪的所有雕塑全都黯然失色。为什么罗丹如此重要？简单的回答是，罗丹直接秉承了米开朗基罗浓厚的思想性，将雕塑从广场的基座上拉下来，变成了诗和哲学。
　　这是罗丹的著名人物群雕《加莱义民》中的一个英雄韦桑特的头像创作。《加莱义民》是罗丹应加莱市长的邀请而制作的，目的是为了纪念1347年英法百年战争中为解救被围困的加莱而愿意忍受屈辱和献出生命的六位市民。这几位市民的英勇牺牲精神感动了这个城市，他们被市民奉为加莱的城市英雄。
　　皮埃尔?德?韦桑特是一个拥有商业和土地的富人，是加莱市的第三个义民，这件表现他头部的研究习作也成了一件独立的雕塑作品。罗丹这个肖像作品充分再现了厄运降临时人物头脑中的痛苦，精神和肉体的紧张关系得到了浓缩和再现，由这件作品可以体会到罗丹对人类悲剧命运的深刻洞察力和艺术的敏感力。

 

　

       皮埃尔?奥古斯特?雷诺阿(法国, 1841–1919年)
    《罗曼?拉科》
      1864年
      画布油画，81.30 x 65.00厘米

　　雷诺阿是印象派画家中最受大众喜爱的一位。他性格内向，和蔼可亲，平时总是一副温文尔雅的样子。不断遭受病痛折磨的画家，其笔下的作品却总是散发出欢乐与温情的美感。
　　刚满23岁的雷诺阿创作了这幅漂亮的肖像作品。因为不满学院派老师查尔斯?格莱尔的教授方法，他与另外三名学生——莫奈、巴齐依和西斯莱开始去枫丹白露森林里直接面对自然写生。刚好在森林里度假的拉科一家，为他们的女儿预订了这幅肖像。急于尝试新手法的雷诺阿放弃了暗调子，转而使用明亮的色调，他甚至销毁了许多早年的绘画作品，因此这幅画成了画家存世最早的一幅有签名和创作日期的作品。当时，雷诺阿还是一个学生，他在画面上尝试不同的风格手法：女孩的头发模仿鲁本斯，轮廓清晰的面孔和花边则来自安格尔，白色有着库尔贝的感觉，柔和的花卉背景可以追溯到柯罗。雷诺阿将所有这些不同因素完美的组合在一起，创作了一件雷诺阿式的风格独特的油画作品，透露出其特有的明媚欢愉之情。

皮埃尔?奥古斯特?雷诺阿(法国, 1841–1919年)
     《卖苹果的人》
       约1890年
       画布油画，65.80 x 54.50 厘米
 　　就像雷诺阿和蔼可亲的乐观性情一样，雷诺阿同样喜欢18世纪法国洛可可绘画中充满感官享乐的欢娱之情。雷诺阿尤其喜爱弗拉戈纳尔将人物放置在风景之中的作法，用田园风光式的背景衬托画面，来歌颂甜蜜纯洁的女性美。
　　在这幅《卖苹果的人》中，雷诺阿效仿弗拉戈纳尔，以同样的方式把人物放在风景之中。画面表现了苹果小贩正在向他的新婚妻子兜售苹果的情景。当时，画家夫妇正在妻子的出生地共度蜜月。雷诺阿与艾琳共同生活了十年，右边的孩子或许就是他们的儿子彼尔。该画也可以被看作是雷诺阿对婚姻的颂扬。
　　在构图上它是对18世纪法国传统的延续，但主导画面的却是振奋人心的色彩和全新的时代趣味。

 

　　

   奥迪隆?雷东(法国, 1840-1916年)
        《瓶花》

   1905年

   画布油画，73.00 x 59.00厘米

Gift of Roberta Holden Bole

生活于印象主义时代的雷东，作品却处处体现着神秘的情感、内心的想象。象征派领袖高更在谈到雷东的作品时，这样写道：“他的梦想在他的作品中变成了现实；在他的作品里，所有的植物、胚胎在本质上都是人类，生活在我们周围；当然，它们也同我们一样承担着痛苦……从他的作品中，我看到的只有发自内心的语言。”

他早期的作品主要大多是黑白两色绘画，描绘出一个充满奇人怪物的虚幻的世界；在他随后的绘画生涯中，他开始使用丰富而浓重的色彩。在这幅油画中，雷东在植物学方面的知识表现得淋漓尽致，花朵明亮的色彩有力地刺激着人的感官。雷东既要表现自然，同时又避免了客观描述，而是通过这种方式创造出一种“花乃梦中之花“的境界。

 

保罗?高更(法国, 1848-1903年)
    《在浪中》

1889年

画布油画，92.50 x 72.40厘米

作为“后印象派三杰”之一的高更，是最具叛逆精神的一个。他对现代文明的厌恶使他最终逃离法国，然而即使是远离欧陆的海岛也并非世外桃源，那里没有琴声悠扬的曼陀林，轻歌曼舞的姑娘，有的只是穷困、热病，以及到哪里也躲不掉的欧洲文明。

1888年底，在法国南部与梵?高发生激烈冲突之后，高更逃回了巴黎。此后，在1891年他启程远赴塔希提岛之前的两年间，高更不停地来往于布列塔尼和巴黎之间。这件作品便是高更在布列塔尼南海岸的阿望桥村创作的，属于阿望桥时期一幅具有开创意义的作品，反映了他对原始情感的关注。高更坚信，艺术不能仅仅照搬自然，而要通过扭曲、夸大和强化以阐释其内在意义。他特意使用粗犷的线条、简约的形式和更加响亮的补色，以阐释其原始主义风格。而这种风格同这幅画的象征意义是紧密结合的：一个裸体女人跳进大海，象征心灵趋向自然。1889年该画出现在第一届象征派画展上。

 

贝尔特?莫里索(法国, 1841–1895年)
     《读》

1873年

画布油画，46.00 x 71.80 厘米

这幅画是以莫里索的姐姐爱玛为模特创作的，爱玛同时也是莫里索的画友。她们在一起严肃认真地学画，而不是年轻姑娘们的附庸风雅。作为画家的莫里索成就非凡，她是第一个加入印象派的女性画家，她积极推进印象主义运动，面对反对抨击的言论予以回击。1868年与马奈相识后，促使马奈放弃擅长的黑色而提亮了调色板，但没有最终说服马奈加入印象派。

很明显，在这幅画中，莫里索与雷诺阿一样，力图以一种崭新的绘画语言来处理人物和风景的关系。将人物与风景视为单一的视觉对象，他们被光线和色彩统一在一个平面里，这是真正的属于印象派的视觉革新。

 

克劳德?莫奈(法国, 1840-1926年)
     《红围巾：莫奈夫人画像》

1868-1878年

画布油画，99.00 x 79.80 厘米

这幅画表现了莫奈的第一任妻子——卡米勒，她在1879年不幸因病而去世。这幅雪景中的卡米勒画像，在清爽平静的画面氛围中，透出一丝淡淡的哀愁。

在这幅画中，莫奈大胆地使用白色，将色彩范围限制在画面的中心区域，真正做到了“惜色如金”。同时，运用具有补色关系的红绿搭配，更突出了逆光中的暗红色头巾，而头巾更反衬出卡米勒略显疲倦的面容。

曾以《日出?印象》一画一举成名的莫奈，在这幅《红围巾》中为我们展示了他头脑中对于“雪景”的印象，而夕阳微妙的粉红色反光丰富了这一印象。莫奈夫人在画面中表现出从门前偶然经过，向屋内匆匆一瞥的样子，更加深了这种转瞬即逝的时间感。

　　卡米勒陪伴莫奈度过了最初的艰苦岁月，而没有分享到丈夫此后显赫的声名。莫奈终其一生都对卡米勒充满了缅怀之情，一辈子都保留着这幅画。

 

《草地上的午餐》

1944年

画布油画，68.00 x 150.00 厘米

Leonard C. Hanna, Jr. Fund

　　恩斯特是跨越达达主义和超现实主义两种运动的传承者，在他身上，也兼具达达主义否定一切的嘲弄态度，和超现实主义的潜意识表现。其功绩不仅在于他在画面中引入了“拼贴”，也在于他首创了“拓印法”。“拓印法”最利于超现实主义对潜意识的表现。这个技法的启示来自于1925年恩斯特在旅馆地板上的发现。恩斯特在他的《回忆录》中这样写道，“像是在半梦半醒之间所看到的幻象，地板上的木纹变幻出令人目眩神迷的各种形象”。

　　我们都知道马奈1863年创作的那幅《草地上的午餐》具有现代艺术的开创意义，这幅画正是恩斯特对这一经典作品的嘲弄。马奈表现了一个裸体的女人与两个着衣男子坐在树林里野餐的情景，而恩斯特则用一条鱼代替了那个女人，还去掉了其他人物。他还用“拓印法”将马奈画中的田园景色置换成了一个荆棘遍布的地点，并用一个空酒瓶取代了马奈的宴会。作为潜意识的神秘暗喻，鱼常常出现在超现实主义艺术中，它的尖牙和令人震惊的蓝眼睛都是危险的。画面左侧的那个无意义的词，在发音上与法语“淫秽”一词相似。

 

背景资料

 

印象派

    印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派。印象派画家的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受，他们对瞬间视觉感受，对色彩、氛围、笔触的关注，超过对社会历史、宗教、伦理的关注。 

后印象派

    后印象派是法国19世纪末一重要的绘画流派。一批以印象主义起家的画家，在趋于光色再现客观真实的极端中，从个同的角度意识到形和色的表现之功能，逐渐改弦更张。作品虽风格、手法各异，但不再满足对自然及光的客观描绘，而强调主观感受的再创造和追求主观下的真实观是一致的，并共同导致对新表现领域的开拓和新表现手法的运用。 

野兽派

    野兽派1905年产生于法国的松散的美术社团。他们继续着后印象主义的探索,追求更为主观和强烈的艺术表现，吸收了东方和非洲艺术的表现手法,有明显的写意倾向。 

立体派

    立体派艺术运动1907至1920年间出现于欧洲。他们反对传统的透视法、远景短缩法和造型技法，而是用线条结合成部份的画面，然后再依自己的个性发展，进而够成立体形。

 

 

          徐匡，男，湖南长沙人，1938年3月5日出生，曾就读于陶行知艺术学校美术组。1958年毕业于中央美术学院附中。现任四川美协副主席，<<画家之村>>艺术委员会主任,中国美术家协会会员,一级美术师。

           1982年在日本东京举办个人版画展，同时出版<<徐匡版画选>>日文版。1985年在四川出钣<<徐匡版画选>>。版画作品多数被中国美术馆收藏，并多次赴国外展出。1983年以来先后访问了罗马尼亚,日本,法国并进行文化交流。徐匡审美领域宽，造型能力强，艺术手法多样。他所创造的人物，性格鲜明而富有现代感;刻画入微而不失潇洒自然;刀法丰富而不失整体，是当代有独特风格的版画家。

          艺术传略在<<中国艺术家辞典>>,<<中国现代美术家名鉴>>(日本出版)均有介绍。

扎西和他的羊  (木刻)150x100cm     2005年

 山高水远  (木刻)150x100cm    2006年

奶奶   (木刻)  150x100cm  2004年  获第十届全国美展银奖   中国美术馆收藏

家园  (木刻)  100x150cm  2006年

走过草地   (木刻)  150x100cm  2005年  获第十七届全国版画展金奖

主人  (木刻)  徐匡与阿鸽合作 70x70cm  1978年  第五届全国美展   一等奖  中国美术馆收藏

洁白的哈达  (木刻)  65x88cm  1984年   获日本国际版画研究会金奖  中国美术馆收藏

在那遥远的地方  (木刻)52x80cm  1984年  中国美术馆收藏

高原的阳光  (木刻)80x52cm   1984年  获全国第六届美展银奖   中国美术馆收藏

绿色的口琴  (水印木刻)64x48cm  1983年  中国美术馆收藏

八月  (水印木刻)80x61cm  1982年  中国美术馆收藏

乡村小学  (套色木刻)43x57cm  1964年  中国美术馆收藏  法国国家博物馆收藏

天鹅又回来了  (套色木刻)68c47cm   1983年

大江之源  (套色木刻)83x62cm  1974年

希望  (木刻)55x67cm  1981年

青藏高原    (木刻原版)150x100cm   2007年

局部

草地诗篇  (木刻)103x73cm  1975年   中国美术馆收藏

花朵  (木刻原版)90x45cm   1988年

局部

草原盛会  (木刻原版)104x50cm  1990年

草地雄鹰  (木刻原版)125x60cm  2000年

局部

守望  (木刻原版)125x60cm  2000年  参展北京第二届国际双年展

局部

花裙  (水印木刻)48x34cm  1984年

徐匡在林山美术工作室  2005年

徐匡在林山美术工作室   2005年

徐匡在看林山的油画作品   2005年

飞翔在天空下的雄鹰(原创)07年9月林山摄影

引用

海平工作室 的 抗不住的诱人魅力[30P]

引用

婉君 的 震憾的人体艺术欣赏

 

战士的光荣(原创)   08年7月17日林山摄于江油郊外

引用

老辉的美术宫 的 夏葆元油画

 

引用

618999.ok 的 陈丹青的油画

回望北川_____风景如画(原创)06年6月林山摄于大禹故里

回望北川_____羌寨老房子(原创)林山摄于北川小寨子沟

引用

婉君 的 如玉石班美丽的少女

 

尼古拉.格列高莱斯库       画家

尼古拉.格列高莱斯库       海边裸女

尼古拉.格列高莱斯库      期盼

尼古拉.格列高莱斯库       农妇

尼古拉.格列高莱斯库       干活的姑娘

尼古拉.格列高莱斯库       士兵

扬.安德列斯库      纺线女

扬.安德列斯库        围绿头巾的姑娘

斯特凡.鲁齐昂      分玉米

乔治.彼特拉斯库           威尼斯景色

乔治.彼特拉斯库         罗莎

奥克塔夫.奔奇勒        1907年的农民起义

局部

奥克塔夫.奔奇勒        罢工者

局部

卡米尔.雷苏         在和平呼吁书上签名

约瑟夫.伊塞尔       弹曼陀林琴的土耳其人

尼古拉.托尼查       护林人的姑娘

亚力山得鲁.丘古伦古      花

科尔内留.巴巴      炼钢工人

科尔内留.巴巴      恐惧

里奇亚.马可威      带花的帽子

埃乌金.博巴    黄色的花束

埃乌金.博巴     奥内斯蒂的夜晚

扬.什里斯蒂安努      声进攻光

塞维尔.弗伦丘      风景

索林.伊尔福维亚努     瓶花

索林.伊尔福维亚努   老妇像

约安娜.伯特伦努      新娘

罗马尼亚19-20世纪绘画精品

引用

世君子 的 忻东旺老师的一篇日志

下面是忻东旺老师的一篇日志,很好所以我就偷来了   

油画女人体

一．  构图

作为人体绘画的构图。首先要感受由人体的动态与相关物体所形成的节奏关系。这一节奏关系既要考虑画面构成因素，又要吻合人体的表情意境。

在布置这幅作业时，根据人体姿势和肤色等因素，我在沙发上布置了一些能够和人体形成对比度的衬布，衬布的色彩和明度关系与人体的协调必然也形成了形状的关系，因此摆模特就等同于经营画面，有“经验”的画家肯定能够体会到人体与衬布之间的关系是构建画面的重要内容。这里面有两种倾向值得注意：一是对画面构成感缺少认识的人，画面上出现的只是物体的形状“形”，而没有造型的“型”。另外一种情况则相反，是只体现画面的构成关系，却缺失了物体的自然特质，因而怎样揉合感觉与理念和学识与自然便是造型的根本要求。

二．         起稿

一般同学们大都表示起形不准，我想之所以不准有两方面的原因，一是经验程度不够，手不熟练。二是心理上怯弱，由于生怕画不准因而造成感觉能力低下。我认为后者的关系更为重要。画画绝对需要状态，如果状态不好，哪怕有再多的学识，也无法正常发挥，任何事都需要意志控制官能。

我在动笔之前一定要酝酿好情绪，情绪就是感受到对象的趣味所在，趣味又激发出兴奋点。在这种状态下才能做到“下笔如有神”，“神”之用笔体现在对对象形质和生命感的表现。起稿绝不仅仅是画对象的轮廓界线而是还需有结构，体积，空间和我们感受到对象的笔意等因素的意识。要想果断地做好一件事，其意识是重要的前提。而意识的来源就是感受、理解和学养。

三．         设色

     画不同的画需要有不同的程序，无论何种程序其依据都必须来源于画家在熟习材料特性的基础上对画面感受的直接把握。有时候需要从局部画起，是因为要在感觉最敏锐和精力最集中的时候先画最重要和难度最大的部分。而有时候需要从整体铺基本色块开始，是由于画面因素较为复杂，从局部入手难以把握画面关系，必须从整体相互关系的角度先大概确立画面基本色彩格局——设色；我画这幅人体即是如此。

任何一个步骤都要尽力接近对象本质的把握。我画肖像时都是先从人物的脸部开始，因为这样有利于集中精力塑造作品最较真的部分，画面关系在心中把握就可以了，之后各部分依次进行，到最后再根据整体关系做适当的调整是比较容易的。

但是画人体这样做都会盲目的多，因为人体关系较肖像要复杂微妙的多，在白画布上从任何一个局部开始都是不确切的，因此从布局、包括人体基本色在内的画面大色块铺设是很必要的。在具有基本色块的画面中集中精力从人体的某一局部开始塑造就会在“情理之中”。在课堂上我看到有的同学在这一步还是从大关系的角度再整体“糊弄”一遍，甚至往后都是重复同样的过程。这样就会产生一个问题：你的精力不能专注，具体塑造刻画不具体、不真切，时间一长感觉便麻木了。虽然从整体出发似乎是有道理的，可是整体的把握最终是在我们的心目中，而不是体现在我们的每一次行为都是对整体的一次演练或关照。

任何生命体都是由一个个充满活力的细胞组成的，一幅整体关系好的作品也必须是由有感觉的每一个局部构成的。因此，在这样意义上铺大色块之后，再画每一步都要力求向最终效果接近。虽然客观上是很难达到的，但这样的效果就是使我们每一步都必须是全神贯注的，只有这样才能使我们的感觉保持敏锐。

四、   塑造

画儿画到什么样的效果取决于画家的感受，而影响感受的是画家的审美取向以及艺术理想。就我本人来说，我在竭力寻找那种“巧夺天工”式的表现语言。

油画的写实塑造绝不仅仅满足于结构、立体、空间等“硬性”指标的实现。首先写实的意义就不在于迎合人们的视觉经验，否则绘画的存在很容易就会被其它更为有效、便捷的形式所取代。虽然我们不可忽视绘画中手工的独特价值，但如果手工的结果是对自身特征的抵消，那么我们将要怀疑它的意义了。绘画中的手工特征是什么呢？道理很简单，手迹如心迹，手迹是心灵感受的物化。问题在于艺术中人的心迹是否趋于和自然形式的一致？虽然不能一概而论，但如果我们是处于对自然的模仿性塑造状态，那艺术中的“精准”将会是变异的，只能是降格以求。我们常说要画感觉，何为感觉？“感”是感知，是感官在起作用；而“觉”则是觉悟、发觉，是感知后的反应，即意识。因此怎样塑造，怎样表现心迹便是一种意识。

追求这一切的精神准备都将落实到一点，即“意在笔先”。面对女人体，不同的人有不同的感受与理解。每个人的意识可以不同，但庇荫在自然形式之下的绘画是失语的，更是失意的……当然，要达到绘画艺术的至美境界是艰难的，我们都是在追求那一目标的途中，我们虽然还达不到大师般的成就，但我们必须要树立一种意识；虽然我们的笔迹还不能完全对应心迹，但只有意识到才会使这样的距离缩短。

虽然写实是西方的传统，它在中国当代文化生态中是否具有生命力，或许只有历史才能做出正确的评判。我觉得学习传统的精神并不在于恪守，而在于适变。因为任何有价值的传统都是与时代现实血脉相连的，如果只是出于对传统的挚恋，而无视现实的热烈，那么艺术的光芒将会黯淡。

今天中国的写实油画必须放在美术史的角度来审视，我们不能以重复西方传统来定位自己的文化，更不能以模仿自然的视觉逼真来暴露我们意识的欠缺。值得乐观的是我们大部分写实画家都各自有自己的认识和探索，我个人体会觉得属于绘画性中的笔意既可以沟通写实绘画与自然的关系，又不失中国传统艺术的逸格。当然这一切不只是出于理念，而是由于油画材料特点及表现意趣，以及我们自身的文化气质所决定的。

尽管在整个塑造过程中时时刻刻面对着结构、体积和空间等等技法和学理因素，但我绝无意把她看作是只讲究技术而不考虑精神内容的“习作”。我从人体美的和谐中感受到一种生命的质朴气息，我反复揣测的笔触和一遍遍罩染的色层，是为了追求油画表现语境与生命肌体的绝妙契合，以及模特的精神心理在每一块肌肉上的显现。我体味那脂肤的细腻和她壮实的肢体，是想表达生命的珍贵和生存的无奈，如果说她漂染的棕发透露出时尚与文化盲目的话，那么她的金戒指和金项链使我感到是信守与束缚的矛盾。最后给这幅画起名为《戴婚戒的女子》，意在冲淡人体对我们感官刺激所忘却的精神理想。

以上是我画这幅画的点滴感受，当然画儿还是不尽理想，还请大家不吝赐教。

《婚戒》

《婚戒》——局部1

《婚戒》——局部3

《婚戒》——局部4

《婚戒》——局部5

《婚戒》——局部6

《婚戒》——局部7

《婚戒》——局部8

《婚戒》——局部9

引用

世君子 的 摩里斯．郁特里羅（Maurice Utrillo 1883～1955）是巴黎畫派最著名的風景畫家

摩里斯．郁特里羅（Maurice Utrillo 1883～1955）是巴黎畫派最著名的風景畫家。他筆下的巴黎蒙馬特街景、聖心堂、煎餅磨坊等，平凡中充?M詩意，洋溢著?

 

 

 

 

 

引用

老辉的美术宫 的 程丛林油画与素描